Las
manifestaciones artísticas de la edad antigua, denominadas clásicas o grecorromanas
se avivaron para interrumpir las formas
exageradas del barroco y de su respectiva deformación, el rococó, movimientos
artísticos que desde el siglo el siglo XVII adquirieron un auge considerable.
martes, 17 de noviembre de 2015
Importancia de la luz
IMPORTANCIA DE LA LUZ
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| Claude Monet, Impresión Soleil Levant, 1872-1873 París, Museo Marmottan Monet. Cuadro al que debe su nombre el movimiento. |
En cuanto
al impresionismo El Impresionismo corriente artística de finales del siglo XIX
que revoluciona especialmente la pintura, en este momento el
artista debe pintar lo que ve pero de la forma en que lo ve, se despierta el Interés
por los paisajes y las escenas al aire libre. Se plasman sensaciones
“impresiones” de lo observado según el color, la luz o la atmósfera existente
en ese momento: se muestra la visión subjetiva del artista, la representación
exacta de la realidad deja de tener sentido (aparece la fotografía); y por eso
la pintura tiene que buscar nuevos caminos.
 |
| Camille Corot |
A finales de 1840, un grupo de pintores
residentes en Barbizon, pueblo cercano a Fontainebleau (Francia), ejecutan una
pintura basada en la captación de la naturaleza que les rodeaba. Entre las
características se observan que captan la naturaleza de forma realista, Muestran
gran cantidad de matices lumínicos. Practican una pintura al aire libre,
copiando del natural, se observa como el uso de la luz muestra el claroscuro
atmosférico, la cual cosa se convierte en la firma de la escuela lo cual hace
que ensalcen a la naturaleza y sencillez de la vida rural. Se centraron en uno
de los elementos característicos que aparece en todas sus obras: la luz. Esa
luz que tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos
circundantes en las zonas de penumbra.
El Museo Thyssen-Bornemisza presenta la
exposición ‘Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh’. Una muestra que
recoge alrededor de 100 obras en un marco cronológico que abarca desde 1780
hasta 1900, aproximadamente. Un período que comprende los inicios del paisaje al
aire libre con artistas como Pierre-Henri de Valenciennes y Thomas Jones, a
artistas como Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny y todos los
grandes maestros del impresionismo, hasta llegar al cambio de siglo con Van
Gogh o Cézanne, entre otros muchos.
Por su parte, la Fundación Mapfre
completa esta retrospectiva con ‘Impresionistas y postimpresionistas. El
nacimiento del arte moderno. Obras maestras del Musée d’Orsay’. Un recorrido
por las diversas corrientes que enlazaron con las vanguardias del siglo XX.
Paul Gauguin, Paul Cézanne, Van Gogh y Toulouse-Lautrec son algunos de los que,
partiendo del impresionismo, recuperaron la importancia del dibujo y la
preocupación de captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas
y de las personas iluminadas. Es el postimpresionismo.
LECTURAS SUGERIDAS
http://www.maestrojuandeavila.es/Departamentos/Geografia%20e%20Historia/arte/tema25.pdf
http://www.pandillazarco.es/jbbb/ELREALISMOB.pdf
http://clio.rediris.es/n34/arte/20%20El%20Arte%20del%20S.%20XIX.Romanticismo%20y%20Realismo.pdf
Importancia de la pintuar al aire libre
IMPORTANCIA DE LA PINTURA AL AIRE
LIBRE
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| Paisaje bajo un cielo agitado de Vicente Van Gogh 1889 |
En la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo
en la pintura, Joseph Mallord William Turner y John Constable pintores paisajistas ingleses sentarían las bases de la pintura de la naturaleza.
Constable se
preocupaba por el paisaje y, sobre todo, de los efectos ambientales de la luz
sobre la naturaleza. Elige paisajes con nubes inestables en los que el aspecto
cambia de un momento a otro. Constable no
busca el realismo exacto en la representación de las cosas, sino la capacidad
que tienen las cosas para evocar ideas o emociones.
De Turner destaca su gusto por la fugacidad, sus
superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos.
Así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal,
en el que la luz y los colores dan lugar a una impresión más poderosa.
En 1824, el Salón de París exhibió una exposición de John Contable. Sus escenas rurales influenciaron a algunos
artistas jóvenes, haciendo que abandonaran el academicismo para buscar su
inspiración directamente en la Naturaleza. Las escenas naturales dejarían de
ser un mero telón de fondo de hechos dramáticos o escenas mitológicas.
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| Paisaje Holandés 1882, Óleo sobre lienzo. |
Durante las revoluciones burguesas de 1848, un grupo de
artistas comenzó a reunirse en el pueblo de Barbizon (pueblo cercano a París)
para seguir las ideas de Constable sobre la pintura y el naturalismo, fundando
la llamada escuela de Barbizon, de la formaban parte artistas como Théodore
Rousseau, Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet y Charles-François
Daubigny. Mantienen un estilo realista, pero de entonación ligeramente
romántica, que se caracteriza por su especialización casi en exclusiva en el
paisaje y su estudio directo del natural. Normalmente tomarán sus apuntes al
aire libre para realizar sus obras definitivas en sus estudios. Usaban para
ello técnicas rápidas, como el óleo, y de lo que trataban era de conseguir
efectos en el menor tiempo posible. Por primera vez, el pintor sale de ensu
estudio.
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| Bosque de Hodler en la exposición del impresionismo en el Museo Thyssen de Madrid (España) |
En abril de 1874, un grupo de artistas franceses funda una
«Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores,
etcétera», bajo el nombre del grupo
de Batignolles. Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el
arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho
más innovadoras, tomando como referencia a los artistas de la escuela de
Barbizon, a los paisajistas ingleses y a los avances científicos en cuanto a
teoría del color y a la fotografía. Bajo el liderazgo intelectual de Édouard
Manet, decidieron agruparse más formalmente que en sus tertulias del café
«Guerbois» de los jueves, y organizar una muestra con sus obras.
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| Acantilado de Monet en la exposición del impresionismo en el Museo Thyssen de Madrid (España) |
La respuesta del público y de la crítica ante la muestra
fue implacable: insultos, mofas, una auténtica humillación pública para los
artistas. El 25 de abril un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo en
la revista Charivari que tuvo mucha repercusión y que se titulaba: «Exposición
de los Impresionistas». El artículo era demoledor con los artistas y sus obras,
y de ahí en adelante el término “Impresionismo” se extendería para referirse a
la concepción del arte de este grupo de artistas.
REFERENCIAS
1http://www.larazon.es/cultura/arte/de-corot-a-van-gogh-la-evolucion-de-la-pintur-DH854126#.Ttt1nMqhWYKm0sP
domingo, 15 de noviembre de 2015
EL MANIERISMO Y EL BARROCO
Manierismo: su origen etimológico proviene de la definición que ciertos escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari, asignaban a aquellos artistas que pintaban 'a la manera de...', es decir, siguiendo la línea de Miguel Ángel, Leonardo o Rafael, pero manteniendo, en principio, una clara personalidad artística. El significado peyorativo del término comenzó a utilizarse más adelante, cuando esa 'maniera' fue entendida como una fría técnica imitativa de los grandes maestros.
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| El Entierro del Conde de Orgaz, El Greco |
ARTE ROCOCÓ EN EUROPA
Cada época de la historia viene
acompaña de una forma de arte distinta. En este caso, luego de la salida del
trono de Luis XIV (Rey del Sol), el siglo XVIII empezó con un arte de estilo
decorativo, al cual se le denominó Rococó y se mantuvo hasta el reinado de Luis
XVI.
Por: Laura V. Orozco, Andrea Suárez, Juditza Fuenmayor, Alberto Jiménez y Shadya Torres.
sábado, 14 de noviembre de 2015
EL BARROCO EN ESPAÑA Y LA CONTRARREFORMA
El
barroco español es una mezcla de ornamentación y sobriedad. A partir del siglo XVIII la ornamentación en este tipo de
arte es tan abundante y complicada como en el rococó alemán, pero mientras que éste resulta elegante, por su parte, el barroco hispano es siempre emotivo.
Cabe destacar, que las principales
manifestaciones barrocas en este país, se inscriben dentro del ámbito religioso, no
sólo por su temática, sino también por su finalidad. Esto se debe a que la
sociedad del siglo XVII no cambia sus bases con respecto a las del siglo XVI
(una nobleza y un clero que sufragan generosamente todo tipo de manifestaciones
artísticas), pues siguen construyéndose iglesias y conventos, siendo, más bien, escasa la producción de obras de carácter civil.
Ahora bien, a raíz de lo anterior, se
suele decir que el arte Barroco es el arte de la Contrarreforma, método a través del cual Concilio de Trento decreta los temas predominantes en la
iconografía artística y depura otros tantos. Con el fin de asegurar a los fieles al seno de la iglesia más popular mediante el uso de imágenes sugestivas que conlleven al
pueblo a figurar la imagen real, es decir, lo que hay detrás del símbolo y, a su vez, reaccionar contra la severidad e iconoclastía del Protestantismo (idea propuesta por Lutero, que plantea una nueva forma de creer en la salvación, puesto que no depende de las obras, sino de la fe y las enseñanzas
aportadas por la Biblia).
No obstante, la iglesia empieza a dirigir a sus
artistas, en sus temas y en la forma de realizarlos, pues pretendía controlar el
decoro, la prestancia, el tema y su verosimilitud. Por esta razón, las imágenes
intentan aislar lo católico de lo hereje para que nadie tenga ninguna duda y así
se potencien sobre todo aquellos rasgos de la fe que han sido eliminados por
Lutero o Calvino.
Se hace importante el arraigo de este estilo a nivel popular y su larga prolongación en el tiempo, que van desde las más importantes manifestaciones de arquitectura, escultura o pintura, hasta las más modestas tallas o retablos inspirados en contenidos religiosos y devocionales. Creados por la enorme variedad estilística que caracterizaba a cada autor lo que ha hecho difícil una clara agrupación por escuelas.
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| Retablo de la Iglesia de San Isidoro del Campo, Juan Martínez Montañés. (1609-1613) |
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| Las Meninas, Diego Velázquez. (1656) |
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| El Palacio Real de Madrid, Juvara y Sachetti |
WEBGRAFÍA:
El Barroco Español: arquitectura y escultura. [En línea]. [Consulta domingo 8 de noviembre de 2015]. <http://www.ieslasmusas.org/geohistoria/tema17elbarroco.pdf>
El Barroco Español. [En línea]. [Consulta domingo 8 de noviembre de 2015]. <http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/17Baresp.pdf>
viernes, 13 de noviembre de 2015
VELÁZQUEZ, RUBENS Y REMBRANDT
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
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| Autorretrato (1640) |
Nace en Sevilla, bautizado el 6 de junio de 1599, y muere en Madrid, el 6 de agosto de 1660. Más conocido como Diego Velázquez, pintor barroco considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista. A los 24 años fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años más tarde fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. A esta labor dedicó el resto de su vida.
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| El Triunfo de Baco (1628-1629)Conocida como 'Los Borrachos' y considerada la obra maestra de este período |
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| Este retrato de Felipe IV, en castaño y plata, pintado entre 1631 y 1636, es de los primeros donde cambió su técnica buscando la impresión visual |
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| Las Meninas (1656) Este complejo lienzo es la cima de su pintura, la maestría de su luz hace sentir verdadero todo el aire de la habitación |
Pedro Pablo Rubens
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| Autorretrato (1623) |
Es uno de los grandes pintores flamencos del barroco del siglo XVII. La escasez económica lo llevó a trabajar como paje para la corte hasta que decidió hacerse pintor. Su primer aprendizaje artístico fue hacía 1591, con Tobias Verhaecht, un pintor flamenco de paisajes. Después, se formó en el taller de Adam van Noort y en el de Otto van Veen. En 1598, a los 21 años, concluye su formación superando el examen de maestro ante la Guilda de San Lucas de Amberes y viaja a Italia para ampliar su formación artística estudiando las obras del Renacimiento.
Falleció el 30 de Mayo de 1640 en su casa de Amberes, a punto de cumplir los 63 años. Su pintura ha ejercido enorme influencia en otros artistas como Jean Antoine Watteau, Delacroix o Auguste Renoir. El estilo de Rubens se caracteriza por los contrastes de color, gran riqueza cromática y los juegos de luces y sombras. Sus composiciones están llenas de dinamismo, sensualidad y sensibilidad emocional.
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| El rapto de las hijas de Leucipo (1616) Se trata de un tema mitológico: El rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux |
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| El Juicio de Paris (1638) Plasma el momento en el que Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, toma la manzana que le da Mercurio, mientras que las tres diosas intentan convencerle con diferentes ofrecimientos |
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| Las Tres Gracias (1638) Se inspira en tres personajes de la mitología griega: Eufrosine, Talía y Anglae, hijas de Zeus y Eurymone |
Rembrandt Harmenszoon van Rijn
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| Autorretrato (1659) |
Pintor barroco holandés, nació en Leiden el 15 de julio de 1606. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Sus aportes a la pintura coinciden con lo que los historiadores han llamado 'La Edad de Oro Holandesa', el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.
Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica, Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam.
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| El pintor en su estudio (1629) |
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| Abraham e Isaac (1634) |
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| El hijo pródigo en la taberna (1635) Autorretrato con Saskia |
WEBGRAFÍA:
Renacimiento, Manierismo, Barroco. [En línea]. [Consulta domingo 8 de noviembre de 2015].
<http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/trabajos/4849_11984.pdf>
miércoles, 11 de noviembre de 2015
Escuela de Barbizon
La escuela de Barbizon
El
único mérito que tengo es haber pintado directamente de la naturaleza, con la
intención de comunicar mi impresión incluso de los más fugitivos efectos. -
Claude Monet
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| Otoño (Museo de Bellas Artes, Reims), de Théodore Rousseau, creador de la Escuela de Barbizon, armoniza un dibujo vigoroso y una técnica minuciosa que le permite precisar hasta el mínimo detalle de la naturaleza logrando una atmósfera poética no exenta de melancólico dramatismo. De este modo, los de Barbizon se rebelan contra las estructuras opresivas del academicismo imperante. |
Tratar lo que
encierra esta escuela es recrear hechos relevantes que marcan un antes y un después.
Así, pues, a finales de 1840, en un pueblo llamado Barbizon, cercano a los
bosques de Fontainebleau (Francia), entorno a esta cápsula de belleza y
naturaleza se reunían pintores que conformaron la popular academia. Dichos
paisajistas, implementaron una pintura basada en la captación de la naturaleza
que los rodeaba de forma realista. Con el menor interés de modificarla o alterarla
y considerados como los precursores del Impresionismo.
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| Théodore Rousseau |
Según
los datos históricos, el principal representante es Théodore Rousseau (1812 – 1867), hijo de una familia burguesa, al
comienzo se formó en el comercio, pero, más tarde mostró su talento para la
pintura. Sus primeros frutos fueron bajo la potestad del clasista Lethiére. Este artista, solo en 1848
fue reconocido ante el público. Puesto que, en 1836, luego de la exposición de
su gran obra La descendente des vaches (La bajada de las vacas) fue rechazado por los
artistas clásicos; y desde entonces hasta la fecha mencionada anteriormente
-1848- fue descalificado seguidamente.
Éste avezado hombre no fue el único en llevar la
temática de esta Escuela. Así que, más tarde se unen: Jules Dupre (1811 – 1819), amigo y colaborador durante mucho
tiempo. Uno más es Narciso de la Peña (1807 – 1876), hijo de una familia
española, inicialmente se desempeñaba como decorador de piezas de porcelana. No
está de más agregar que, pintó escenas mitológicas con desnudos femeninos como
Ninfas.
Con
lo expuesto, es pertinente afirmar que este círculo de pintores buscaba
alejarse definitivamente de la confusión de la sociedad, de las promesas
tecnológicas y de las estrictas reglas de la Academia de Bellas Artes.
En este orden de ideas, rotundamente eliminaron
en sus obras la idealización y los elementos de abstracción. Asimismo,
compartían con Corot (1796 – 1875)
un pintor más que nació en París, el interés por la luz y los valores tonales.
Por consiguiente, en 1850 sus muestras tienen un cambio, es decir, un estilo
nebuloso y artificial, el cual, provoca una aceptación con crítica.
Ahora
bien, todos los miembros compartían el mismo interés de éste paisajista,
observar la naturaleza minuciosamente. Por ende, los llevó a reflexionar sobre
el punto clave que es la importancia de la luz, y al papel que cumple la atmósfera
que nos rodea.
 |
Las espigadoras por Jean Fancois Millet 1857
|
Teniendo esto en mente, los temas mitológicos,
históricos o religiosos, pasan a un segundo plano, luego de haber sido lo más
valorados en aquella época. Dándole la bienvenida a un género menor: el
paisaje, la vida rural y el campesino. Desde este punto de vista, la Escuela de
Barbizon es un proyecto cumplido, considerado como un hito, en razón o pro del
grupo de retratistas que vivieron en la aldea. Un estilo que se transformó en
referencia para el arte del siglo XIX, influyendo
en las distintas escuelas regionales. No obstante, como todo progreso, por
querer duplicar tal cual a la naturaleza, estos hombres, se salían de los
talleres y ejecutaban el desarrollo de la obra al aire libre, con el fin de
mostrar una gran cantidad de matices lumínicos. Ello aumentó que esta corriente
se denominara como uno de los últimos movimientos del Realismo francés.
Aquí
vale la pena hacer una pequeña digresión, pues, del Individualismo de 1830 y al
Positivismo de 1850, son dos ejes que se complementan y contribuyen para el
nacer en la representación del paisaje. Fue Camille Corot, quien protestó como
el único representante, en ese entonces, de ese tránsito paisaje clásico –
paisaje realista. Gracias por su estabilidad económica no pasó necesidades como
los demás autores. A pesar de su amor por la naturaleza y las enseñanzas de los
paisajistas, infortunadamente se retiró de estos ideales. Pues, con el pasar
del tiempo, él se inclinaría a disociar el paisaje de la figura. Entre 1865 y
1875, cuando no podía viajar por motivos de salud, sus producciones se
centrarían en las figuras femeninas. Aquellos monumentos de mujeres no parecen
o muestran haber posado para el artista, sino que han sido captadas con rapidez
y astucia.
En
el mismo sentido, para los románticos paisajistas, un paisaje lo era todo, el
centro de su universo. Con la inquietud de investigar la naturaleza, con el fin
de que nazca la inspiración, los pintores se motivaron por tener en cuenta
pequeños aspectos. Por lo tanto, los pintores de la generación realista fue
dejar al descubierto las maravillas del paisaje francés y darle un sí a la idea
de plasmar lo más insignificante de la naturaleza; unir el hombre y al animal
con el paisaje para ser solo uno. Sin afectar ninguna de las piezas. Con todo
esto, emerge una ruptura con lo animado y el paisaje romántico. Esta forma de
arte sería rescatada y ampliad hacia la década de 1860- 1870, por los impresionistas.
PINTURAS
La
ribera del río – Charles Daubigny (1866)
Tema:
fue pintado en 1866 cuando Daubigny ya había construido su taller flotante
(1857), con el que viajó por los ríos Sena y Oise para plasmar paisajes de las
vías navegables.
Composición:
está etrucuttrada en tres elementos básicos: la vegetación de la ribera, el
agua del río, y el cielo. Éste paisajista logró crear la ilusión de profundidad
y la impresión de una atmósfera envolvente con ingenioso recurso de crear una
zona más clara en el cielo cerca del horizonte.
Pincelada: es una técnica que anticipa un rasgo que desarrollarían muchos de los impresionistas: la pincelada suelta, sin suavizar.
Vista de las afueras de Granville 1833 -
Tema:
se refiere al paisaje de un pueblo llamado Granville, en la que se resalta lo
maravilloso del paisaje relacionada con las actividades de la vida diaria.
Composición:
se destacan tres elementos como las masas de vegetación, la zona terrosa y los
campesinos, en la mitad del cuadro contribuyen a equilibrar la enorme masa
vegetal que aparece en la parte izquierda.
BIBLIOGRAFÍA
El Romanticismo
EL ROMANTICISMO
 |
| Germania e Italia, de Friederich Ovenberck. Esta obra plasma la atracción del norte hacia el sur, y presenta este sentimiento como el hermanamiento artístico y cultural de los pueblos alemán (Germania) e italiano (Italia). |
El Romanticismo es un
movimiento artístico y cultural que se inicia en los últimos años del siglo
XVIII.Se caracteriza por expresar estados de ánimo y sentimientos. La razón ha
dejado paso a los sentimientos, a la intensidad emocional. Este movimiento
propugna un arte onírico. Descubre los paisajes y disfruta e la exaltación del
pueblo, de la libertad, del patriotismo, de la nacionalidad. El tema predilecto
de los pintores románticos son los paisajes, en su aspecto más salvaje y
misterioso. Reflejan la lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la
naturaleza. También se pintan cuadros con temática exótica, dramática,
melancólica. También hablan de temas políticos como revoluciones. El retrato es
el mejor género para representar el espíritu romántico. Los rostros están
llenos de ternura, dulzura, soledad. El color predomina sobre el dibujo.
El término romántico, fue
adaptado a las artes plásticas a principios del siglo XIX. Podríamos
diferenciar tres etapas del Romanticismo en la pintura:
Prerromanticismo:
1770-1820
Este período, aunque arranca
con el Rococó, se desarrolla en paralelo con el Neoclasicismo; es por ello que,
las primeras pinturas románticas muestren características de estos dos
movimientos, aunque los temas a tratar sean de carácter romántico: la finalidad
de estas pinturas es la representación de los sentimientos sobre la razón
exaltando lo misterioso, representando así fantasmas o cementerios. Los
pintores más conocidos de esta época son:
Apogeo
de la expresión romántica en pintura: 1820-1850
Es el momento de mayor
plenitud de la pintura romántica, la cual, junto con el inicio del nuevo siglo,
tuvo nuevos cambios donde comenzaron a imponerse temas relacionados con la
historia moderna y una nueva concepción del paisaje. En cuanto a los pintores
de la época encontramos a:
Posromanticismo:
1850-1870
El Romanticismo empezó a
decaer y, poco a poco, el manierismo fue introduciéndose no solo en las artes
plásticas, si no en todas las expresiones artísticas. En esta época, cabe
destacar a pintores como el español Eugenio Lucas Velázquez o el suizo Antoine
Wiertz.
 |
| La pesadilla de John Heinrich Fussli 1781 cuya técnica empleada fue óleo sobre lienzo situada en Instituto de Arte de Detroit - Michigan (Estados Unidos) |
Inglaterra:
Paisajismo y prerrafaelitas
En Inglaterra nunca arraigó
el gusto clasicista, por lo que este país se mostró muy receptivo ante una
serie de anticipaciones románticas y prontas se sometió su influencia.
En pintura, el mundo clásico
se inició con Heinrich Füssli (1.741-1.825). Este suizo se estableció en Gran
Bretaña, donde es conocido como Henry Fuseli. Este autor es difícil de definir,
diferentes autores lo consideran neoclásico, otros neomanieristas e incluso
prerromántico. Calificativos aparte, Füssli es el precursor de la temática
insólita que utiliza alegóricamente figuras de animales y crea un ambiente
onírico lleno de fantasía que anticipa el Surrealismo.
El
romanticismo alemán: Los nazarenos, Otto Rungr y Caspar David Friedrich.
En Alemania, donde la pintura
estaba dominada por los principios neoclásicos, surgió un grupo que crearon en
Roma una hermandad de carácter estético-religioso, Los nazarenos. Estos
artistas practicaban un arte espiritualista cristiano y vivían en comunidad con
el fin de regenerarse artísticamente volviendo al estilo de los pintores
italianos del Quattrocento.
Entre los Nazarenos
destacaron Friedrich Overbeck (1.789-1.869), Peter Von Cornelius (1.783- 1.867)
y Julius Schnorr Carolsfeld (1.794-1.872).
Esta obra se llama Germania
e Italia, de Friedrich Ovenberck. Esta obra plasma la atracción del norte hacia
el sur, y presenta este sentimiento como el hermanamiento artístico y cultural
de los pueblos alemán (Germania) e Italiano (Italia)
 |
| La libertad guiando al Pueblo, de Eugene Delacroix, 1830, Museo del Louvre. Obra en la que el pintor canta la Revolución de 1830. |
El
romanticismo revolucionario francés
El neoclásico fue el arte
oficial del imperio. Cuando cayó Napoleón el romanticismo logra imponerse.
Después de la epopeya
napoléonica se modifica la concepción de la historia. Ya no hay heroísmo ni
triunfos en los cuadros, sino desesperación, muerte y desastre. La pintura
romántica francesa es una alegoría sobre una Francia a la deriva tras la caída
de Napoleón.
El
romanticismo español: Esquivel,Rosales y Gisbert
Antonio María Esquivel
(1.806-1.857). Se formó en su Sevilla natal. en Madrid se aproximó a Madrazo y
a los pintores que monopolizaban los encargos reales.
Esquives destacó, por
encima de todo como retratista. Su obra
más relevante, Lectura de Zorrilla en el estudio del pintor, en la que aparecen
personalidades de la talla de Esprocceda, el Duque de Rivas y Hartzenbusch,
ilustra el ambiente literario del Madrid romántico.
PINTORES NEOCLÁSICOS
John
William Waterhouse
 |
| Gone, But Not Forgoten- 1873 |
Nació en Roma el 6 de abril
de 1849. Sus padres fueron artistas ingleses que se trasladaron a Italia por
razones laborales. Sin embargo, cuando John William tenía un año de edad, sus
progenitores decidieron regresar a Inglaterra.
Continuando con la pasión
por el arte infundida por sus padres, Waterhouse obtuvo diversos conocimientos
en el taller de pintura de su padre. Aunque, a la edad de 21 años, y tras ser
rechazado en un par de ocasiones, ingresó en la
Royal Academy Schools de Londres.
El realismo
EL REALISMO
 |
| Obra: La Rencontre de Gustave Courbet 1854 |
Por
todas estas falencias los artistas toman conciencia de lo que ahí transcurre y
deciden expresarlos de forma gráfica las infrahumanas condiciones de vida tanto
de niños como adultos. Es importante destacar que se le rinde mayor pleitesía a
la clase obrera.
Por
otra parte, el realismo posee de unas características principales que son
vistas en cada una de sus producciones como:
- Enfocarse hacia el paisaje
- Los artistas dejan a un lado las dimensiones abstractas y se centran en lo común
- Reproducir las imágenes a lo natural
- Expresar el gusto por la democracia
De
esta manera, el realismo se subdivide en varias clases que se expondrán a
continuación como:
 |
| Obra: Young Ladies Of the Village de Gustave Courbet 1852. la característica de esta obra expone el contraste de las clases sociales y el cuidadoso detalle de las montañas que se encuentran al fondo. |
Realismo pictórico se desarrolló en Francia a mediados del siglo XIX, en esta forma de arte se representa la objetividad de sus obras con relación a la realidad, además, tuvo importancia en el campo de la literatura. Abandonando las temáticas extravagantes.
 |
| El primer tractor de Vladímir Krijatzki. se muestra la clase trabajadora común y la vida agrícola que tiene como principales ideales las doctrinas comunistas. |
Realismo socialista se desarrolló en la antigua Unión Soviética en la tercera década del siglo XX y fue un tipo de manifestación que tenía como finalidad expresar las ideas del comunismo de manera artística. Tanto así que en la mayoría de sus matices se exaltaba al trabajador obrero como un gran logro dentro de la población.
PRINCIPAL REPRESENTANTE
 |
| Gustave Courbet |
En
su labor demuestra la realidad de las cosas como el trabajo al aire libre, la
clase obrera como la heroína en esa época puesto que eran los que más se
velaban a cambio de una paupérrima recompensa.
Las
técnicas empleadas en sus obras son de composiciones sencillas con gruesos
trazos de pintura que con frecuencia se usaba por medio de espátulas, por
ejemplo: los paisajes y las marinas.
OBRAS DESTACADAS DE COURBET
 |
| En esta obra se muestra el perfeccionismo de los detalles como: las hojas de los árboles y los tonos de luz. |
Los bañistas 1853 este cuadro causó mucha controversia, aparecen dos mujeres a orillas de una charca con diferentes composiciones físicas y/o corporales <<una más voluptuosa que otra>>. Pero desde el ámbito artístico cada centímetro de la obra se encuentra perfectamente detallada como las hojas de los árboles que exponen diferentes tonos de luz y el plisado de la manta que tiene la mujer que se encuentra de pie.
El taller del pintor 1855 se muestra de manera explícita las personas de posiciones económicas inferiores mientras que en el centro aparece Courbet junto a una mujer desnuda quien la asimila como la veracidad de sus obras que guía el pincel del artista.
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